Alumn@s egresados de la especialidad de pintura

Ángela Torrejón

Amor y cuidados.

Sobre la fuerza del trabajo doméstico

Bordado sobre cañamazo, lápiz pitt

y grafito.

Medidas: 1.40 x 1.40 m 

El proyecto “Amor y cuidados. Sobre la fuerza de trabajo doméstico” busca reflexionar sobre las representaciones de género en el hogar que producen y reproducen las labores domésticas.

En la actualidad, estas representaciones son  observadas con rechazo e intolerancia, en distintas medidas, por las mismas protagonistas como por quienes reciben el beneficio de su trabajo, ya que la idea de que el trabajo doméstico sea el destino final de las mujeres, desde una perspectiva capitalista, es devaluada pues no reproduce ninguna garantía ni retribución salarial.

El dibujo es uno de los medios por el cual se pretende reflexionar estas dinámicas domésticas desde lo cotidiano y frágil que es el grafito, y el bordado en punto cruz como medio de actividades repetitivas en el espacio privado.

Ángela Torrejón

Daniela Nairn Alayza

Brujas

Instalación de cuadros, video y texto.

Medidas: 6 x 6 m.

2019

Este proyecto de pintura busca hacer una reflexión acerca de cómo las mujeres estamos expuestas a la violencia de género, y tenemos en mayor o menor medida heridas (visibles y/o invisibles) ocasionadas por esta. Por ello, tomando como ejemplo a las mujeres promoción de sexto de pintura. Se realizaron 8 retratos (un retrato de cada una) cada uno simbolizando la vida y potencial de cada una de estas personas. Estos cuadros fueron planificados para tener parte de la esencia individual de cada una de las mujeres, escogiendo junto con ellas las acciones, armonías y expresiones, que serían retratados. Al finalizar los cuadros fueron quemados, y los vestigios que quedaron simbolizan las vidas de estas mujeres, afectadas por la violencia.

Una de las formas más antiguas y emblemáticas para asesinar brujas, era la incineración en la hoguera. Esta manera de ejecutar se caracteriza por la crueldad, pues arder hasta la muerte aseguraba el sufrimiento de la víctima hasta el último momento de su vida. Este también es uno de los métodos de feminicidio usados hasta el día de hoy (a pesar de que no sea una ‘hoguera’ tradicional), que además, se ha ‘’popularizado’’ en los últimos 3 años. Por estos motivos decidí usar el fuego para representar la violencia.

Entonces el retrato en pintura representa el potencial de vida de cada una de las mujeres presentes en el proyecto. Mientras que el fuego representa la violencia a la que estas están expuestas. la forma en la que estos dos elementos se relacionan, buscan darle sentido a la reflexión que quiero generar y esto se puede ver en dos de las tres piezas que presento con este proyecto. Por un lado, está el video, donde se ve cómo es que se han trabajado los retratos para luego ser heridos por el fuego. La otra, que es la instalación de los cuadros en el círculo, presenta los vestigios que han quedado luego de la violencia, y de qué manera esta genera secuelas, pues los cuadros siguen destruyéndose post-quema

Fabiola Gonzáles

‘Érase una vez…’

Collage instalativo en banner

y cortinas de fiesta

Medidas variables

2019

Las tradiciones familiares son promotoras de relaciones de poder, dependencia y control intergeneracional en los protagonistas más vulnerables: la mujer y el niño.

La instalación “Érase una vez” forma parte del proyecto en pie “Cuentos de familia”, con el que me dispongo a evidenciar la estructura social-patriarcal en la familia a través de la fotografía doméstica. Para ello, indago en mis propios archivos familiares para diagnosticar que las ficciones, fetichismos y ocultamientos de este grupo se disfrazan y perpetúan mediante los rituales festivos, siendo estas celebraciones un espacio de configuración en que la familia demuestra apariencias de ocasión.  Es así que resuelvo en dilatar, destruir y fragmentar el archivo hacia una nueva memoria familiar e intervenir en ella.

Fabiola Gonzáles

Karol calderon

Metamorfosis

Paisaje en malla de metal y dibujo

Medidas: 240 cm x 115 cm

2019

Esta pieza involucra una exploración de materiales y  técnicas en el cual opté por la realización de un dibujo a grafito cuyas formas son figurativas, es la representación de las dunas de ventanilla y sobre este dibujo en papel, se superponen planchas de malla que contiene a las estructuras lineales de lo que vendrían a ser las fábricas que con el paso del tiempo se van convirtiendo en las  nuevas dunas de este territorio. Escogí a la malla de metal como material, ya que estas fábricas se componen de elementos que nos bloquean la entrada a lo natural; la malla no solo representa al metal de la industria sino también a la cerca que esta genera para que el humano  tenga la menor interacción posible con su entorno natural, una acción que es generada por el mismo hombre.

Marco Robles

El Verdadero Rostro de Túpac Amaru II

Instalación de video

Medidas variables

2019

El proyecto pretende un análisis comparativo de las representaciones gráficas de Túpac Amaru II abarcando, en primer lugar, aquellas que fueron contemporáneas a la rebelión: retratos tanto del personaje como de su contexto en el siglo XVIII. Así como también, la producción gráfica correspondiente al Gobierno Revolucionario.

Finalmente, consideraré también representaciones que, excluidas de ambos periodos, ofrecieron una visión alterna a la adoptada por el régimen ya mencionado (poemas, tradiciones, ensayos, reinterpretaciones pictóricas, apropiaciones posteriores en grupos subversivos, cultura pop, etc.). Para esto, mi investigación propone un modelo de análisis semiótico, en el cual desglosaré los componentes visuales atribuidos al personaje; tales como prendas, características físicas, expresiones o accesorios. Complementando y cotejando este análisis con información bibliográfica histórica que abarca tanto testimonios orales como escritos. El objetivo de la investigación establecerá conclusiones sobre las correspondencias y distancias entre  las representaciones de época y las velasquistas, apoyadas en las descripciones escritas de la apariencia del héroe en su tiempo.

Con los avances de la investigación pretendo recrear la imagen de Túpac Amaru y dar pie a nuevas interpretaciones del mismo, otorgando nuevos niveles de comprensión en el personaje, cuya identidad iconográfica considero se encuentra en un conflicto aún no resuelto.

Milagros Vega

Díptico 01

Técnica mixta sobre papel tabaco

Medidas: 1.50 m x 3.00 m c/u

2019

El proyecto “Un abismo hacia lo inefable” busca expresar lo sublime sobre lo inefable de la existencia humana a través de medios plásticos pictóricos. El gran formato interactúa con el espectador al permitirle formar parte de la imagen, convirtiéndose en su espacio, ya no se limita a ser únicamente público.  Este tamaño sobrecoge a la persona con formas abstractas que se desenvuelven en términos de manchas, fuerzas, color y no color, ritmos, trazos y vacíos que evocan a emociones experimentadas por la autora y abstraídas de su contexto para poder expresar la esencia del sentir y lograr así que cada individuo que observe las piezas logre proyectar sus propias vivencias.

Milagros Vega

Miriam Caycho

Caja de luz

Técnica mixta. Serigrafia sobre acrílico

Medidas: 118 cm x 114 cm x 15 cm c/u

2019

El proyecto consta de dos piezas:

La primera pieza consta de una serie de cuatro videos presentados en tablets reproduciendo en loop fragmentos recopilados de videos de asesinatos grabados por cárteles en su mayoría, todos pertenecientes a Latinoamérica, con una duración aproximada de 1 minuto. Es así como planteo una serie de composiciones a través del uso del glitch que actúa como una frustración de la imagen. El glitch también accionará como un “violentador de la imagen”, una corrupción, y finalmente como distorsión, y es mediante esta frustración de la imagen que planteo en primera instancia una incitación a la curiosidad, en donde la obra genera la interrogante de que “algo se encuentra sucediendo pero no sé qué es, y desearía poder saberlo”. Y en segunda instancia, al morbo. Gracias a segundos en donde se pueden apreciar la imagen en su totalidad es que otorgo las herramientas para configurar y completar las imágenes detrás de estas distorsiones. En esta pieza se usa la lógica del display de las imágenes, lo mediático y digital.

La segunda pieza consta de una caja de luz concebida a partir de las marquesinas. Esta publicidad peatonal que esta normalmente presente en paraderos de bus presenta formalismo en el display y a su vez busca al público. Estas dos características presentes son tomadas para recrearla a modo de “caja de luz” en donde sigo su lógica, presentando la imagen de una persona prácticamente irreconocible por encontrarse destrozada. La intervención plástica a través de manchas en capas de acrílico ejercen como “violencia” y “distorsión” hacia la propia imagen. Al igual que el glitch también actúa como una frustración de la imagen. La interacción del objeto apropiado (marquesina) con la separación entre las capas de acrílico deja un espacio para que el espectador pueda “fisgonear”. Se trata de una incitación a ver qué imagen se encuentra al final de la caja.

Vanesa Valdez

Mesa y sillas

Instalación

Medidas: 4 m aprox. x 1.60 cm aprox.

2019

El proyecto es una reflexión personal sobre los procesos de crítica, visibilización y empoderamiento dentro la lenta y aún continua aceptación de una identidad homosexual en el seno de una familia tradicionalista.

El proyecto usa un set de comedor como metáfora y poética. Se propone pensar el comedor como el espacio y punto de encuentro dentro de una casa,los miembros de la familia se reúnen para compartir los rituales de la comida.

El proyecto se apropia de los elementos que conforman un juego de comedor convencional. En lo estructural del juego de comedor se tiene la mesa y las sillas. Estas estructuras podrían entenderse como un sostén rígido que mantiene las condiciones para la performance social. Es así como se podría pensar a la mesa y las sillas como un poder estructural normativo.

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